Oliviero Toscani

 Nacio en el año de 1942, en la cuidad de  Milán, es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zurich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital.

En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa.

En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.   

Carlos Curado

Jose Carlos Mariátegui (1894-1930)

José Carlos Mariátegui nació en Moquegua, Perú, el 16 de julio de 1894. A partir de 1914 trabajó como redactor en el periódico La Prensa y colaboró en otros más. Cultivó varios géneros literarios y en 1919 creó el diario La Razón desde donde apoyo la Reforma Universitaria y las luchas obreras.Viajó por Europa gracias a una beca y regresó a Perú en marzo de 1923.

Colaboró en diversos diarios y ejerció como profesor en la Universidad Popular González Prada. En 1924, debido a una antigua lesión, le fue amputada una pierna.

Fundó la revista Amauta en 1926 y sufrió cárceles y prisión domiciliaria en 1927 durante el proceso contra los comunistas. En 1928 rompió con el APRA, fundó el Partido Socialista, la revista proletaria Labor y publicó sus Siete ensayos de interpretación de la realidad peruana.

Un año más tarde, fundó la Confederación de Trabajadores de Perú 

Romualdo Garcìa

ROMUALDO GARCÍA TORRES (1852-1930)

Nació en Silao, Guanajuato. Fue llevado por su madre a la capital del estado, donde ingresó a la Escuela de Artes y Oficios. Estudió pintura y música, convirtiéndose en músico de profesión por varios años.En la década de los 80 se inició en la fotografía y a partir de 1887 abrió públicamente su estudio, ubicado en Cantarranas núm. 34, en el primer cuadro de la ciudad. Retrató a todos los sectores de la población guanajuatense: niños, hombres, mujeres, ancianos, gente con niños muertos, etcétera. Así, se convirtió en su fotógrafo por excelencia.

Participó en concursos nacionales e internacionales, como el de la Exposición Universal de París en 1889, en el que se otorgó la Medalla de Bronce por su trabajo.

Once años después, la misma exposición le entregó dos medallas y dos diplomas, mientras también fue premiado en la ciudad de México y en León, Guanajuato.El Fondo Romualdo García compuesto por su obra (colección que da origen a la Fototeca), consta principalmente de retratos de gelatina sobre vidrio de entre 1906 y 1914.Sin duda, uno de los archivos fotográficos más importantes que sobrevivieron al paso de los años y al infortunio es el de Romualdo García Torres. Seguramente, tendría ese archivo un número mayor de fotos, y sobre todo, las impresiones de las placas y de negativos tomados en el siglo XIX si no se hubieran perdido muchas en la inundación que afectó a la ciudad de Guanajuato en 1905.

Si bien es cierto que la actividad de Romualdo es extraordinaria, no es posible dejar de señalar su visión de futuro y su capacidad para reconocer desde aquellos días el valor del trabajo que realizaba. Esto ya se había hecho evidente por su participación en la Exposición Universal de Paris en 1889, donde fue premiado, y hoy podemos confirmarlo por la cantidad de negativos que el fotógrafo coleccionó y forman parte del patrimonio de la nación como documentos imprescindibles para la historia de la fotografía en México y Guanajuato.Por otra parte, vale la pena destacar que la fotografía, puesta en práctica en los albores de la segunda mitad del siglo XIX, amplió las posibilidades de lo que habría sido hasta ese momento el retrato como recurso para la preservación de la memoria; retratistas-pintores los hubo muy buenos, excelentes se diría, como es el caso de Hermenegildo Bustos, pero su número fue limitado y tuvo en el azar del destino una barrera insuperable, ahí donde no llegó el genio, las imágenes desaparecieron junto con la memoria de los vivos.

La fotografía llegó tardía, pero llegó... Fue entonces posible eternizar las miradas y gestos, la indumentaria, incluso los rasgos de los niños muertos.El fotógrafo, artista y artesano, abandonó en ocasiones el estudio para ir a fiestas y celebraciones. Las placas se fueron abaratando y además de los ricos y las clases medias pudieron tomarse fotos los obreros y la servidumbre. El fotógrafo de estudio, no sólo en Guanajuato, abrió sus puertas al público. Quien se atreviera y pudiera pagar tendría la posibilidad de mostrar a sus amigos la copia de un momento inolvidable y dejar para las generaciones futuras el testimonio de su presencia. Pero Romualdo no se conformó con imprimir las placas, su trabajo fue más allá de la labor artista-artesano; que atrapa las miradas y los gestos de sus coterráneos. Como era costumbre, el fotógrafo debía integrar a sus clientes en el escenario, proponerles poses y miradas, incluso completar su vestuario.

Romualdo logró esto con gran calidad, como puede apreciarse en la pequeña muestra que este texto acompaña. Cada uno de los personajes aparece con extraordinaria naturalidad, sin importar el estrato social al que pertenezca. La dignidad y elegancia rivalizan para darle un toque distinguido a los personajes.Romualdo García es un fotógrafo de su tiempo y como tal nos entrega una excelente panorámica del tejido social que caracterizó a Guanajuato al final del siglo XIX y principios del XX. Los sueños y aspiraciones de una sociedad emergente pueden percibirse en este archivo fotográfico. De ahí su extraordinario valor que trasciende lo estético para convertirse en un testimonio inigualable.Es cierto que podemos admirar el conjunto de su trabajo en la fototeca "Romualdo García", del Museo Regional de Guanajuato Alhóndiga de Granaditas, bajo la custodia del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

También, es posible coincidir con alguna exposición temporal donde se exhibe la obra en México y el extranjero, pero se antoja sin duda la reedición del libro con las fotografías del artista, que viera la luz en el fondo editado por el lNAH en 1981. Así, la excelente labor de la institución en materia de fototecas se vería reforzada. 

Edward Weston

Edward Weston nació en Illinois, Estados Unidos, en 1886 y murió en California en 1958. Con 17 años tubo su primera exhibición en el Chicago Art Institute.

Después de vivir en California, Weston volvió a Chicago para estudiar en el Illinois College of Photography, pero retornó a California en 1908 donde se convirtió en uno de los fundadores del Camera Pictorialists of Los Angeles. Abrió su propio estudio de retratos y sus artículos comenzaron a publicarse en revistas de fotografía.

En 1922 viajó a Nueva York donde conoció a Alfred Stieglitz, Paul Strand, Charles Sheeler y Georgia O’Keefe. Para entonces Weston ya había renunciado al Pictorialismo y comenzaba una época de transición. En 1923 Weston abandonó a su familia y viajó a México con su hijo Chandler y Tina Modotti (su modelo, discípula y amante) allí conoció a Diego Rivera y Frida Kahlo.Maestro de la luz y la composición, Weston comenzó, en 1927, a fotografiar conchas y verduras de los que solía realizar primerísimos primeros planos para conseguir una calidad semiabstracta.

La fotografía más conocida de estas es la imagen de un pimiento verde que parece una escultura abstracta. También hizo desnudos femeninos. Weston fue miembro del grupo f/64 realizando imágenes directas y sin manipular. En 1937 se convirtió en el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim. La beca se renovó en 1938 lo que le permitió viajar y fotografiar por toda California y el oeste de Estados Unidos.

Tina Modotti

Adelaide Luigia Modotti, es el verdadero nombre de la famosa fotógrafa Tina Modotti. Nació el 17 de agosto de 1896 en Udine, Italia.

A los 17 años emigró a Estados Unidos con su familia. En 1921 conoció a Edward Weston, excelente fotógrafo norteamericano que le enseñó todo lo que sabía de fotografía. Un años más tarde, en 1922, llegó a México donde conoció a Diego Rivera y a David Alfaro Siqueiros, con quienes tuvo una gran amistad.

Poco tiempo después integró las filas del Partido Comunista. Tina fue una mujer en lucha y activista participó en la campaña Manos fuera de Nicaragua en apoyo a la lucha de Augusto C. Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoció a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, en una manifestación. Por su constante activismo, en 1930 fue expulsada de México acusada injustamente de conspiraciones contra políticos mexicanos. Tras su salida de México fue a Alemania y de ahí viajó a la Unión Soviética. Participó en el Socorro Rojo Internacional.

En 1934 partió a España en donde se alistó al Quinto Regimiento y trabajó con las Brigadas Internacionales, con el nombre de María. Su participación terminó a la par de la guerra civil. A finales de 1939 regresó como asilada a México, donde continuó con su actividad política a través de la Alianza Antifascista. Un año más tarde, el gobierno de Lázaro Cárdenas anuló su expulsión. Tina Modotti murió el 5 de enero de 1942 por un ataque cardiaco.  

La Matanza de Aguas Blancas

Con motivo de las festividades del día de muertos el Profesor Joel, nos mostró un documental acerca de la matanza de aguas blancas, esto como fin de recordar algunas almas inocentes que mueren siendo victima de la impunidad y del poder de las autoridades, y de conocer el verdadero significado de este tan importante día en las tradiciones de nuestro país “El día de muertos”.

El miércoles 28 de junio de 1995, en el vado de Aguas Blancas, agentes de la Policía Motorizada y Judicial del estado de Guerrero emboscaron a una camioneta que transportaba, desde el pueblo de Atoyaquillo hasta Coyuca de Benítez, a campesinos que iban a comprar y vender mercancías, así como a miembros de la Organización Campesina de la Sierra del Sur que pretendían participar en un mitin en Atoyac de Alvarez. Los policías acribillaron a los campesinos. Los sobrevivientes aseguran que los heridos fueron ejecutados con un tiro en la cabeza.

Dieciseis campesinos resultaron muertos, otro falleció posteriormente. Después de la matanza los policías colocaron armas de fuego en las manos de los campesinos muertos y aseguraron que ellos habían actuado en legítima defensa.En el lugar de los hechos se encontraba un helicóptero en el cual estaban a bordo el secretario de Gobierno, José Rubén Robles Catalán y el director de la Policía Judicial del Estado, Gustavo Olea Godoy. En el momento que se escuchó el primer disparo, el helicóptero levantó el vuelo. El comandante Manuel Moreno González, director de Protección y Vialidad del Estado, responsable de la policía Motorizada, dirigía el operativo.

 Todo indica que la masacre fue planificada cuidadosamente. La tarde del martes 27 de junio, los responsables del hospital municipal de Atoyac recibieron instrucciones del gobierno estatal para que estuvieran preparados para cualquier contingencia en las próximas horas. Al mismo tiempo varios grupos de policías salieron por la noche hacia Coyuca de Benítez. Este mismo día, el gobernador habló con la alcaldesa de Atoyac, María de la Luz Núñez Ramos, y le dijo que ya había tomado providencias para que el grupo de la OCSS no llegara a la manifestación de Atoyac y que iban a tratar de detener a la gente de Tepetixtla «a como dé lugar». Después de la masacre, tuvieron otra conversación telefónica y el gobernador dijo «¡Venían a la guerra y guerra tuvieron! ¿Somos o no autoridad?». 

 

El Ojo y la Cultura

Este fue un tema abordado el 18 de Septiembre en una presentación de power point presentada por el Profesor Montoya ante el grupo, en la cual tiene como fin ver el poder de la visión para esta profesión “la del fotógrafo”.

Gubern –que integró el staff docente del Massachusetts Institute of Technology, la Universidad de California, y el Institute of Technology de Pasadena, preside la Asociación Española de Investigadores de cine y es titular de una cátedra de Comunicación Audiovisual en la Universidad Autónoma de Barcelona– explicó el calibre del error de McLuhan ayer por la mañana, en el marco de la conferencia Las comunicaciones en la Aldea Global, que inauguró un curso de posgrado en Gestión en Cultura y Comunicación, organizado por el INDAC (Instituto Nacional de Administración Cultural) y Flacso (Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales).

Participaron de la presentación del curso, que se desarrollará a lo largo del año, el secretario de Cultura y Comunicación, Darío Lopérfido, que destacó la necesidad de jerarquizar el rol del Estado en tanto propulsor de políticas culturales, el antropólogo argentino radicado en México Néstor García Canclini, que se refirió brevemente a la reubicación de las problemáticas de cultura en tiempos de globalización, la directora de la Flacso, Guillermina Tiramonti, y el sociólogo Luis Alberto Quevedo, que introdujo al semiólogo español. Gubern se refirió, en el marco de la ponencia, al "nuevo escenario tecno-cultural" que sobrevino a las mega fusiones empresariales que se concretaron en las últimas dos décadas, tanto entre las grandes compañías de comunicación estadounidenses, como entre algunas importantísimas empresas norteamericanas de comunicación y entretenimiento con firmas japonesas.

Esta integración en el campo de la producción cultural dio origen a lo que el denomina "el nuevo eje Los Angeles-Tokio", y que supone "una expropiación del imaginario norteamericano" por parte de los japoneses, que así se propaga y se consume sin aparentes obstáculos, en el resto del mundo. "El 80 por ciento del material audiovisual que se consume en Europa, es estadounidense, mientras que sólo el 2% de lo que se consume en Estados Unidos es producido en Europa", ilustró Gubern, para quien el peligro reside en que "todo aquello que no se inserta en la lógica de la ganancia y que puede ser redituable para los empresarios que lideran el campo de las comunicaciones, queda por fuera, para ser desechado".

La posibilidad de escaparle a esa "monodireccionalidad y estandarización" de contenidos y de tecnología, "que se produce en el Norte y se consume en el Norte y en el Sur", reside en la capacidad de encontrar "brechas, intersticios" que permitan una suerte de marginalidad del sistema dominante. A eso alude el concepto de "cultura intersticial", al que el investigador dio especial importancia. "Tiene conexión con el orgullo que en los años 60 acarreaba el hecho de quedar fuera del sistema, aunque a su vez se diferencia mucho de aquella filosofía, porque los tiempos son otros", explicó. La producción independiente en el campo del cine y la televisión, por ejemplo, significa la posibilidad de escaparle a uno de los mayores peligros que a su entender supone esta monodireccionalidad, y es que "los países del sur del mundo, subdesarrollados o en vías de desarrollo, ven su realidad a través de los ojos del norte, lo que supone una colonización vía satélite de la mirada de estos países, y su sumisión a la visión de los países más poderosos".

 A la hora de ampliar su concepto de Cultura Intersticial, Gubern explicó: "es lo que queda por fuera de la 'Cultura Spielbergiana' (por Steven Spielberg), lo que no se somete al sistema de contenidos que proponen la televisión estadounidense y el imaginario de Hollywood, las posibilidades de consumo cultural que sobreviven por fuera de la lógica de mercado. En ese sentido –dijo– considero que Internet, un medio que algunos se empeñan en demonizar injustamente, es una buena herramienta para acceder, producir y difundir, contenidos distintos, de producción artesanal o alternativa". En referencia a la posible utilidad de la red de redes, Gubern citó al semiólogo italiano Umberto Eco: "La red es como una gran librería desordenada, es útil, pero su utilidad es limitada", objetó. Y la enmarcó en lo que llamó "la pantallización" de la sociedad. "Un empleado promedio puede llegar a pasar más de doce horas diarias frente a una pantalla, si sumamos las que pasa frente a la computadora en el trabajo más las que en su casa dedica a ver televisión.

Eso supone un reemplazo de la experiencia física real por la experiencia filtrada, mediatizada, que esconde el riesgo de confundir el mundo real con la virtualidad e irrealidad de las imágenes. No olvidemos que la experiencia del cara cara es fundamental para el ser humano, y sobre todo para los niños y los jóvenes", alertó. "La sobreoferta de información, a su vez, supone un empobrecimiento de la comunicación y de la posibilidad real de estar en contacto con lo que ocurre a nuestro alrededor. En otras palabras: más oferta es igual a mayor desinformación e incomunicación", puntualizó frente a un auditorio que seguía atentamente sus palabras, y que tras su exposición se animó tímidamente a las preguntas. "¿Qué opina de los reality shows, como 'Gran Hermano'?, inquirió una mujer de mediana edad, acaso con la esperanza de que la reflexión de Gubern pudiese iluminar algún aspecto de este presente en que, aparentemente, pocos se salvan de querer mirar o ser mirados. "Para mí, los reality shows son la continuación directa de las telenovelas que hicieron furor en los 70 y los 80", analizó el semiólogo, que confesó haber "pasado dos minutos" en la mañana por los canales de Direct TV que transmiten en directo desde la casa. "La efectividad de las telenovelas, se basaba en la seducción que implica el poder espiar las pasiones ajenas.

Lo que ocurre ahora es que esas pasiones ficcionales fueron reemplazadas en la actualidad por las pasiones de la vida real, en que las lágrimas y el semen son de verdad". El alcance de este juego en que "muchos pagan el derecho de espiar por el ojo de la cerradura a unos pocos, porque suponen que ese mundo es más auténtico que el que veían antes" son imprecisos. "¿Llegará el momento en que el público argentino espere que hasta la muerte de la televisión sea una muerte de verdad?", preguntó, y nadie se atrevió a contestar.       

La Camara Obscura

En esta ocación te presento el surgimiento de la camara obscura, la cual fue vista en clase el día 27 de Septiembre del año en curso como una continuación y un apartado más del Tema del "Retrato", aqui te presento una linea del tiempo desde su surgimiento y de la manera en como fue evolucionando hasta lo que hoy conocemos como camara fotografica:

 Remitirse a los antecedentes de la fotografía es hablar de la cámara oscura. Posiblemente nunca se sabrá con precisión quién y cuándo descubrió la cámara oscura; pero sí es posible asegurar que antes de ser utilizada para realizar imágenes fotográficas, fue considerada como una herramienta útil para profundizar en el conocimiento.En un principio fue utilizada por observadores de la naturaleza, experimentadores y alquimistas con intereses empíricos o científicos. Esto permitió que con el paso del tiempo se lograra perfeccionar de tal manera que, después de varios siglos de una presencia casi imperceptible, con algunas modificaciones y nuevos aditamentos se convirtiera en una de las herramientas indispensables para la obtención de imágenes fotográficas.

Fue en la antigua Grecia donde surgió la preocupación por encontrar una explicación del fenómeno lumínico. Esto condujo a los filósofos a observar los efectos de la luz en todas sus manifestaciones. Aristóteles sostuvo que los elementos que constituían la luz se trasladaban de los objetos al ojo del observador con un movimiento ondulatorio. Para comprobar su teoría, construyó la primera cámara oscura de la que se tiene noticia en la Historia, describiéndola de la siguiente manera:

"Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero, se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente". Una de las paradojas de la historia de la fotografía tuvo lugar en el siglo VI d. C., cuando el alquimista árabe Abd-el-Kamir descubrió una emulsión fotosensible, aunque nunca la aplicó a la cámara oscura que ya existía porque no tenía conocimiento de ella. 

Por su parte, el mago Merlín (539 d.C.) justamente en la misma época utilizaba la cámara oscura con fines estratégicos y de observación en la guerra que sostuvo el rey Arturo contra los sajones. En sus escritos se habla de la necesidad de utilizar el "cuerno de unicornio" para hacer el orificio de entrada de luz en ella.En el tiempo en que se difundió el uso de este aparato, la magia era una práctica que se mezclaba con el estudio de los fenómenos naturales, por lo que al relacionar al unicornio con la cámara oscura ocasionó que durante siglos ésta recibiera el nombre de "caja mágica".

Pero no fue sino hasta la segunda mitad del siglo XV cuando se volvió a tener noticia de la cámara oscura a través de Leonardo da Vinci, quien redescubrió su funcionamiento y le adjudicó una utilidad práctica por lo que se le ha otorgado el crédito de su descubrimiento.El italiano Leonardo da Vinci y el alemán Alberto Durero emplearon la cámara oscura para dibujar objetos que en ella se reflejaban. A partir de ese momento se utilizó como herramienta auxiliar del dibujo y la pintura, extendiéndose rápidamente en Europa.

La cámara oscura renacentista tenía las dimensiones de una habitación. Esto fue necesario para que el pintor pudiera introducirse en ella y dibujar desde su interior lo que se reflejaba.En el siglo XVI un físico napolitano, Giovanni Battista Della Porta, antepuso al orificio una lente biconvexa (lupa) y con ella obtuvo mayor nitidez y luminosidad en la imagen. A partir de este avance varios científicos se dedicaron a perfeccionarla.